Art Tracker, alla scoperta di nuovi talenti. Intervista a Clarissa Baldassarri

Clarissa Baldassarri nasce a Civitanova Marche nel 1994. Nel 2013 si iscrive presso l’Accademia di Belle Arti di Macerata dove consegue la triennale in Decorazione. Nel 2017 cambia città e decide di trasferirsi a Napoli, dove sta completando il Biennio Specialistico in Scultura presso l’Accademia di Belle Arti. Nello stesso anno inizia a lavorare con la galleria GMCG gallery di Livorno che espone la personale “Eikòna”. Nel 2019 è una delle tre vincitrici del Combat Prize nella sezione Art Tracker che la porta a partecipare ad un’esposizione collettiva, insieme ad Anna Marzuttini e Giorgia Valli, presso Lucca Art Fair 2020.

Sound data logger, installazione site specific Le Scalze, Napoli, 2020 - Photo credit: Iolanda Pazzanese

Come definiresti la tua pratica artistica e quali sono le tematiche che indaghi?

È difficile dare una definizione assoluta alla mia pratica artistica. Quello che seguo, più che un modus operandi ben definito, è la dimensione dell’ascolto. Penso sia questa la parola giusta. Cerco sempre di capire prima il messaggio che voglio comunicare, poi i mezzi e le strade cambiano di conseguenza. Un filo conduttore sicuramente risiede nella voce che cerco di ascoltare e che fino ad ora mi ha portato sempre ad indagare oltre la superficie delle cose, oltre ciò che vediamo, ascoltiamo o tocchiamo.

Ho un richiamo verso l’invisibile e l’impercettibile e quello che cerco di fare è ridare una dimensione fisica, reale, a quello che normalmente sfugge, scompare.

Quando hai deciso che ti saresti occupata di arte?

Non l’ho deciso io. È stato un percorso quasi necessario. L’arte è stata una necessità, una via da intraprendere per poter trasformare in qualcos’altro quello che non riuscivo a tenere dentro. Un rito purificatorio avviato circa cinque anni fa, quando ho cominciato ad avere problemi con la vista. È stato quello il momento in cui ho iniziato ad interrogarmi sulla realtà che mi circondava, e sulla voglia di raccontare quello che sentivo. Vedere oltre la dimensione fisica delle cose è stato un percorso obbligato, un sentire troppo forte che ha trovato libertà di espressione nell’immagine, a prescindere

Appunti Carte Tintoretto. Installazione site specific. Le Scalze, Napoli, 2020 - Photo credit: Iolanda Pazzanese

Hai appena terminato i tuoi studi all'Accademia di Belle Arti di Napoli: come ha influito questo specifico contesto nella definizione del tuo lavoro?

Più che l’Accademia in sé quello che ha influito maggiormente sul mio lavoro è stata la città di Napoli. Mi sono trasferita in questa città dopo aver frequentato il triennio in Decorazione a Macerata e sono state esperienze completamente diverse. Qua il peso del contesto urbano si fa sentire e lo si respira in ogni cosa. È impossibile non rimanerne travolti.

Trasferirmi qui è stata una scelta ben precisa, Napoli mi chiamava da tempo e dopo tre anni posso dire di aver trovato quello che cercavo. La dimensione del sacro e del profano, il contatto umano, lo spirito di condivisione, il dialogo che supera le barriere. Sono aspetti che volevo conoscere e sono una traccia visibile nei miei ultimi lavori.

Installazione site specific Le Scalze, Napoli, 2020 Photo credit: Iolanda Pazzanese

Il tuo medium è la scultura: che tipo di rapporto intrattieni con questo linguaggio? Hai una predilezione per alcuni tipi di materiali?

Come già accennavo prima, non ho una predilezione verso un linguaggio o un materiale in particolare. Il mio è un processo che viene dopo aver delineato bene i contenuti. La forma è solo un mezzo che fa da veicolo trasparente tra il dentro e il fuori.

Avevamo iniziato quest'intervista all'inizio di febbraio ma poi il nostro mondo è cambiato radicalmente. Come stai affrontando l'attuale crisi pandemica e in che modo questa emergenza si è riflessa sulla tua pratica?

Esatto, è stato un grande cambiamento e solo con il tempo potremmo capirne i reali effetti.

Sicuramente non posso dire di aver vissuto male la quarantena. Anzi, è stato un periodo di lunghe riflessioni in cui mi sono sentita liberata dai ritmi frenetici del tempo dell'orologio per potermi riconnettere con il mio tempo interiore. Paradossalmente penso che questa distanza fisica ci abbia fatto provare un altro tipo di avvicinamento, che supera ogni confine, ed è avvenuto proprio perché abbiamo vissuto tutti la stessa condizione temporale; quel tempo che Peter Handke ci voleva comunicare e far capire attraverso il concetto di durata.

Ho sviluppato nuove idee di lavori durante questo periodo che toccano proprio questi aspetti, ma sono in fase di elaborazione.

D'altro canto, inizialmente rimasi sconvolta dal silenzio improvviso che piombò sulla mia città. Proprio prima del lockdown avevo appena inaugurato la mostra “Ausiliare”, nella chiesa delle Scalze di Napoli, a cura di Marianna Agliotte e Rosaria Iazzetta. Nell’esposizione affrontavo proprio il tema dell'ascolto in relazione alla posizione che una persona occupa in un determinato spazio e tempo, valorizzando il concetto di silenzio. Provare poi realmente questa sensazione surreale è stato come vivere un sogno lucido.

Visone mostra Eikona Altarino 1° e Altarino 2° gmcg gallery, Livorno, 2018 Photo credit: Francesco Levy

- Il team di CampoBase (Irene Angenica, Bianca Buccioli, Emanuele Carlenzi, Gabriella Dal Lago, Ginevra Ludovici, Federica Torgano, Stefano Volpato)

LUCCA ART FAIR - ART TRACKER

Dal 27 al 29 novembre, 2020

Casermetta San Frediano, via delle Mura Urbane - 55100 Lucca

T +39 3311303702

E info@luccaartfair.it

W https://www.luccaartfair.com/

La mostra è visitabile nei seguenti orari

venerdì: 17.00 - 20.00; sabato e domenica 10.00 - 20.00

Julian Barnes, Con un occhio aperto, Einaudi

Uno dei sussulti dell’esistere riguarda l’arte. Parte da questa considerazione l’autore di questo notevole libro, una raccolta di saggi che sono una testimonianza di una sincera passione.

Il primo testo è dedicato alla Zattera della Medusa di Théodore Géricault, un capitolo in cui l’artista supera il realismo in nome della forma. In questo fatto, non solo storico, l’umanità si degradò, come, stranamente, i materiali dell’opera stanno facendo ogni anno che passa. Tocca poi a Eugène Delacroix, artista intruppato nei romantici ma che ebbe ben altre aspirazioni. Egli propugnò infatti un colore che fosse preambolo per ogni immaginazione e che avrebbe avuto ancora tanto da dire in futuro. Si passa quindi ad analizzare la vita e l’arte di Gustave Courbet, autore che fece del realismo il suo credo ma che seppe esprimere tanto altro. L’arte di Édouard Manet diviene invece metafora per comprendere come certe poetiche abbiano sedimentato taluni percorsi nell’attualità dovendosi raffrontare con una censura che li ha indelebilmente marcati per il loro venire. Si passano poi ad analizzare alcune opere di Henri Fantin-Latour, quindi si ricorda come l'arte di Paul Cézanne si fosse nutrita dell'antico per dipanare percorsi della modernità che sarebbero stati portati avanti da altri. E' la volta poi del rapporto tra Edgar Degas e le figure femminili da lui immortalate, in realtà una modalità per estendere il concetto di forma umana e movimento. I noirs di Odilon Redon, sovente condiderati mere illustrazioni, hanno invece capacità di scoperchiare mondi immaginari ancora attuali. Nella notevole ricerca di Pierre Bonnard uno dei pezzi più rilevanti, per la carica drammatica, risulta essere Angolo di tavolo ( 1935 circa ). Édouard Vuillard fu protagonista di una carriera con alti e bassi, scevra però di riferimenti alla modalità con cui conduceva la propria vita personale. Arte perciò non corrisponde sempre a vita. Si passa quindi a Félix Vallotton, autore di opere caratterizzate da una “ profonda dissonanza emotiva “. Georges Braque visse un confronto con Pablo Picasso che ne ha definito non solo la propria parabola creativa. Rimase comunque una persona che mantenne una sua peculiare ricerca, anche quando non ebbe più grandi estimatori. René Magritte ebbe in David Sylvester un notevole interprete e perdurò in un'indipendenza che lo fece viaggiare su differenti registri poetici, anche rivolti al passato. La ricerca di Claes Oldenburg è arte che “ offre gargarismi visivi “ di un mondo consumistico e kitch che sfugge a certe cernite troppo tranchant. Dead Man di Ron Mueck ha avuto dei precursori che però non ne dimuniscono la portata significante per l'attualità. Lucian Freud visse in grande riservatezza e pretendeva obbedienza estrema dai suoi modelli. Inoltre si confrontò perennemente con Francis Bacon. I suoi quadri di donne nude sono forse un limite per un artista che, secondo l'autore, doveva tentare di misurarsi maggiormente con altri soggetti. Howard Hodgkin proponeva una pittura intima ma furente, difficile da declinare con le parole. Questo autore sembra il tipo di artista preferito da Julian Barnes, quello che con la propria opera non ha mai finito di interrogarci ulteriormente. Tali pillole esemplificate nel libro sono un viaggio in quell'arte che sa fare proprio questo.

- Stefano Taddei

Julian Barnes

Con un occhio aperto

Einaudi

pp. 296

Massimo Carboni, Malevič. L'ultima icona. Arte, filosofia, teologia, Jaca Book

L’icona, pur nelle sue diversificate esemplificazioni, permane come rappresentazione che intercede dalla concretezza verso il divino.

In ambito bizantino ci furono le controversie più dure, le quali coinvolsero anche l’Occidente e di cui il libro pone giustissima attenzione. L’icona diviene comunque una testimonianza del volto del Padre “ in-figurato “ nel Cristo. In tale modo la tragedia umana di Gesù mantiene aperto un canale dissonante tra umano e divino. Tra oro e colore inoltre l’icona cerca un equilibrio di sospensione, in nome di un rapporto non consolatorio nella fede in Cristo. La patristica ha difeso tale modalità rappresentativa come immagine parlante e quindi possibile di benefici di preghiera anche per i non alfabetizzati. E’ insomma un’apertura aperta a tutti tra l’elemento umano e quello divino. Inoltre la vita del Cristo da risorto è un mistero tra visibile e non più visibile. L’opera di Kazimir Malevič è un ulteriore tassello d’indagine sul fenomeno dell’icona. Il Quadrato nero, datato dall’autore 1913, è un momento di rottura nel Moderno. Egli pone in essere la non figurazione, unico lascito immortale perché non riproducente la finitezza delle apparenze mondane. Massimo Carboni parla giustamente di “ Deposizione “ di ogni iconografia, in nome di una nuova e piena libertà. L’astrazione fu indagata da Malevič in modo estremo. Qui si mette alla prova la nozione di “ oggetto “ e “ rappresentazione “. Tale pratica astrattiva rinnova continuamente i modelli di riferimento precedenti e successivi. La ricerca suprematista poi pare assecondare che i problemi del mondo non hanno alcun senso e si risolvono nel nulla. Malevič nel 1913 aveva partecipato all'opera teatrale fortemente influenzata dal futurismo russo “ Vittoria sul sole”. Qui e dal movimento artistico succitato sicuramente l'autore aveva desunto idee che aveva trasportato nel proprio fare pittorico. Secondo queste congetture l'oggetto deve scomparire e si deve manifestare il vero reale. Lo spazio, per Malevič, non ha più alcun riferimento riscontrabile nella contingenza. Il Quadrato nero – di cui ne esistono tre versione – è sì fonte di elevazione spirituale ma anche modulo ripetibile. Tutto ciò è sicuramente molto vicino all'icona e alle sue manifestazioni. Tante di tali questioni vengono veicolate nei principi del Suprematismo e anche successivamente trovano posto nelle fasi ulteriori del fenomeno. Nel Quadrato nero c'è l'evidenza del mistero, segno di un'assenza molto vicina al nulla del Sublime. L'opera apre all'infinito che sarà ereditata, tra gli altri, da Klein e Fontana. Il Quadrato nero si pone come “ tenebra luminosa “ e qui, secondo l'autore, ognuno dovrebbe ritrovare il vero sé. Il fare diviene metafora per rivolgersi all'inoperosità, con rimandi all'esperienza orientale e alll'annullamento pure della dimensione naturale. Nel 1919 Malevič, alla Decima Mostra di Stato allestita a Mosca, presenta una serie di quadri bianco su bianco, concretizzando la luce in questa peculiare dimensione di purezza/trascendenza. Questa modalità astrattiva, secondo Massimo Carboni, è uno scarto vicino a quello dei mistici. Nel 1923 inoltre Malevič va oltre, presentando quadri non dipinti e, pare, appesi sotto il soffitto. Siamo alla presenza, probabilmente, di un prodromo di performance che supera la mera questione pittorica. Da qui si passerà agli architektony o planiti, corpi tridimensionali che prefigurano nuovi modelli abitativi per una nuova esistenza dovuta alla rivoluzione russa. Tali indagini proposte dall'artista interrogano anche il nostro tempo, dove il fare arte presuppone anche una spiegazione teorica. Il Suprematismo porta avanti ed oltre il classico modo di proporre pittura. Malevič si propone nel proseguo degli anni Venti del secolo scorso ormai come pensatore perché crede che anche il segno vada superato in nome della scrittura. Egli evidenzia così i limiti dell'astrazione e della stessa pittura. In questa fase sono da sottolineare le tangenze di pensiero tra Malevič e Duchamp. Le retrodatazioni delle opere e il successivo ritorno alla figurazione hanno creato molti intoppi critici. Secondo Massimo Carboni in realtà, nel primo caso, Malevič e la sua cerchia non consideravano in modalità diacronica il tempo. Inoltre per l'artista l'idea era prevalente sull'aver messo in opera la stessa. La fase di ritorno alla figurazione poi non prescinde da riferimenti alla fase suprematista e dalla scarsa libertà che l'autore stava vivendo nella sua patria. Inoltre raggiunti certi picchi d'ascetismo artistico non poteva che rivolgersi al figurativo, senza però dimenticare quanto proposto precedentemente. I rovelli di Malevič sono una fonte pure di ricerche successive come quelle dell'arte concettuale. Secondo Massimo Carboni però l'artista ucraino, in tante opere, manifesta un minimalismo verso il nulla solo apparente. Permane un'ombra, un manifestarsi dell'inattingibile nella contingenza. Una sorta di dramma ancora aperto. Un testo di notevole livello e nella sua parte finale, un pregevolissimo apparato iconografico.

- Stefano Taddei

Massimo Carboni

Malevič. L'ultima icona. Arte, filosofia, teologia

Jaka Book, pp. 251