top of page

L’icona, pur nelle sue diversificate esemplificazioni, permane come rappresentazione che intercede dalla concretezza verso il divino.




In ambito bizantino ci furono le controversie più dure, le quali coinvolsero anche l’Occidente e di cui il libro pone giustissima attenzione. L’icona diviene comunque una testimonianza del volto del Padre “ in-figurato “ nel Cristo. In tale modo la tragedia umana di Gesù mantiene aperto un canale dissonante tra umano e divino. Tra oro e colore inoltre l’icona cerca un equilibrio di sospensione, in nome di un rapporto non consolatorio nella fede in Cristo. La patristica ha difeso tale modalità rappresentativa come immagine parlante e quindi possibile di benefici di preghiera anche per i non alfabetizzati. E’ insomma un’apertura aperta a tutti tra l’elemento umano e quello divino. Inoltre la vita del Cristo da risorto è un mistero tra visibile e non più visibile. L’opera di Kazimir Malevič è un ulteriore tassello d’indagine sul fenomeno dell’icona. Il Quadrato nero, datato dall’autore 1913, è un momento di rottura nel Moderno. Egli pone in essere la non figurazione, unico lascito immortale perché non riproducente la finitezza delle apparenze mondane. Massimo Carboni parla giustamente di “ Deposizione “ di ogni iconografia, in nome di una nuova e piena libertà. L’astrazione fu indagata da Malevič in modo estremo. Qui si mette alla prova la nozione di “ oggetto “ e “ rappresentazione “. Tale pratica astrattiva rinnova continuamente i modelli di riferimento precedenti e successivi. La ricerca suprematista poi pare assecondare che i problemi del mondo non hanno alcun senso e si risolvono nel nulla. Malevič nel 1913 aveva partecipato all'opera teatrale fortemente influenzata dal futurismo russo “ Vittoria sul sole”. Qui e dal movimento artistico succitato sicuramente l'autore aveva desunto idee che aveva trasportato nel proprio fare pittorico. Secondo queste congetture l'oggetto deve scomparire e si deve manifestare il vero reale. Lo spazio, per Malevič, non ha più alcun riferimento riscontrabile nella contingenza. Il Quadrato nero – di cui ne esistono tre versione – è sì fonte di elevazione spirituale ma anche modulo ripetibile. Tutto ciò è sicuramente molto vicino all'icona e alle sue manifestazioni. Tante di tali questioni vengono veicolate nei principi del Suprematismo e anche successivamente trovano posto nelle fasi ulteriori del fenomeno. Nel Quadrato nero c'è l'evidenza del mistero, segno di un'assenza molto vicina al nulla del Sublime. L'opera apre all'infinito che sarà ereditata, tra gli altri, da Klein e Fontana. Il Quadrato nero si pone come “ tenebra luminosa “ e qui, secondo l'autore, ognuno dovrebbe ritrovare il vero sé. Il fare diviene metafora per rivolgersi all'inoperosità, con rimandi all'esperienza orientale e alll'annullamento pure della dimensione naturale. Nel 1919 Malevič, alla Decima Mostra di Stato allestita a Mosca, presenta una serie di quadri bianco su bianco, concretizzando la luce in questa peculiare dimensione di purezza/trascendenza. Questa modalità astrattiva, secondo Massimo Carboni, è uno scarto vicino a quello dei mistici. Nel 1923 inoltre Malevič va oltre, presentando quadri non dipinti e, pare, appesi sotto il soffitto. Siamo alla presenza, probabilmente, di un prodromo di performance che supera la mera questione pittorica. Da qui si passerà agli architektony o planiti, corpi tridimensionali che prefigurano nuovi modelli abitativi per una nuova esistenza dovuta alla rivoluzione russa. Tali indagini proposte dall'artista interrogano anche il nostro tempo, dove il fare arte presuppone anche una spiegazione teorica. Il Suprematismo porta avanti ed oltre il classico modo di proporre pittura. Malevič si propone nel proseguo degli anni Venti del secolo scorso ormai come pensatore perché crede che anche il segno vada superato in nome della scrittura. Egli evidenzia così i limiti dell'astrazione e della stessa pittura. In questa fase sono da sottolineare le tangenze di pensiero tra Malevič e Duchamp. Le retrodatazioni delle opere e il successivo ritorno alla figurazione hanno creato molti intoppi critici. Secondo Massimo Carboni in realtà, nel primo caso, Malevič e la sua cerchia non consideravano in modalità diacronica il tempo. Inoltre per l'artista l'idea era prevalente sull'aver messo in opera la stessa. La fase di ritorno alla figurazione poi non prescinde da riferimenti alla fase suprematista e dalla scarsa libertà che l'autore stava vivendo nella sua patria. Inoltre raggiunti certi picchi d'ascetismo artistico non poteva che rivolgersi al figurativo, senza però dimenticare quanto proposto precedentemente. I rovelli di Malevič sono una fonte pure di ricerche successive come quelle dell'arte concettuale. Secondo Massimo Carboni però l'artista ucraino, in tante opere, manifesta un minimalismo verso il nulla solo apparente. Permane un'ombra, un manifestarsi dell'inattingibile nella contingenza. Una sorta di dramma ancora aperto. Un testo di notevole livello e nella sua parte finale, un pregevolissimo apparato iconografico.


- Stefano Taddei


Massimo Carboni


Malevič. L'ultima icona. Arte, filosofia, teologia


Jaka Book, pp. 251



I Doors, come gruppo, sono stati sicuramente schiacciati dalla personalità strabordante di Jim Morrison. Le questioni extra-musicali hanno poi sovente coperto completamente un lascito che andrebbe investigato con più competenza.




E’ quello che si cerca di fare in tale testo. Qui, ad esempio, si propone un giusto riscontro al fatto che la dimensione concertistica del gruppo sia sempre apparsa molto differente da quella catturata su disco. Gli anni di maggiore attività dei Doors sicuramente riscontravano nella dimensione live non solo compagini che svolgevano il compitino di ripetere quello esibito in precedenza ma cercavano di stimolare nel pubblico un lascito differenziato e in continuo divenire. La dimensione teatrale delle performance live dei Doors si insinua copiosamente in questo alveo. Ma non era l’unica. Il libro ci accompagna in un viaggio che pare non essersi ancora compiuto, aperto al futuro ma pure strettamente attaccato al periodo in cui si è maggiormente esemplificato.


- Stefano Taddei


Alberto Nones


Ascoltando i Doors


L'America, l'infinito e le porte della percezione


Mimesis, pp. 158


La tragica fine della vicenda umana di Francesca Alinovi ha certamente oscurato la grande vitalità critica della sua vita. Questo testo – comprendente una raccolta di articoli apparsi su riviste, giornali e cataloghi dal 1976 al 1983 - cerca di restituire la giusta dignità a tale peculiare percorso snodatosi tra la fine degli anni Settanta e l’inizio del decennio successivo.




Bologna, in quel lasso di tempo, era in un periodo d’oro dal punto di vista delle ricerche in vari campi artistici. Il libro in questione è una ricerca che presenta parecchi e rilevanti testi scritti dalla studiosa nelle sue scorribande critiche. Alcuni di questi testi sono inediti. Il libro restituisce una radicale impresa critica che ha visto Francesca Alinovi muoversi tra varie ricerche e differenti ambiti territoriali. Non mancano gli scritti sull’Enfatismo, movimento accompagnato fin dagli albori dalla critica d’arte presso la galleria Neon ( 1981-1983 ) e che trova nel libro una pregevole nota da parte di uno dei protagonisti, Ivo Bonacorsi. Bologna, come si scriveva prima, era un fulcro di notevoli sperimentazioni artistiche. Tutto ciò non poteva che trovare il proprio riferimento oltreoceano in New York. In ambito internazionale si muove Francesca Alinovi, organizzando tra l’altro le Settimane Internazionali della Performance dal 1977 al 1982. Tanti artisti gravitano attorno a lei, senza dimenticare lo scouting che fece per e con certi artisti americani ai più sconosciuti. Italian Wave, mostra organizzata presso la Holly Solomon Gallery di New York nel 1980, è solo uno di altri capitoli come quello postumo ma da lei ideato della rassegna Arte di frontiera. New York graffiti alla Galleria d’Arte Modena di Bologna nel 1984. Una sensibilità peculiare quella di Francesca Alinovi, che seppe coniugarsi con altre realtà del periodo. Purtroppo la studiosa non poté cogliere appieno quanto seminato copiosamente.


- Stefano Taddei



Francesca Alinovi


a cura di Matteo Bergamini e Veronica Santi


postmedia books, pp. 320

bottom of page